Em Maria, Angelina Jolie encarna Maria Callas, a soprano que redefiniu a ópera no século XX — e cuja vida oscilou entre a glória e o vazio. Dirigido por Pablo Larraín, o filme não tenta narrar toda a trajetória da artista, mas recorta seus últimos anos, em Paris, isolada, doente, solitária. A escolha do diretor é clara: mostrar a decadência como essência, não como epílogo.

A atuação de Jolie é contida, melancólica, física. A maquiagem pesada não esconde, mas acentua o fantasma que Callas havia se tornado. No apartamento parisiense, ela revive memórias, se apega a gravações, assombra o presente com a glória do passado. Mas o que poderia ser um filme sobre a beleza de uma mulher partida, se desequilibra quando tenta justificar a protagonista por meios fáceis: como a cena em que Maria é forçada a cantar para nazistas, um momento gratuito que tenta criar empatia via indignação moral — um atalho de roteiro que enfraquece o próprio peso do sofrimento que se propõe a retratar.

A decadência como verdade e o eco de André Matos (sem spoilers)

Há algo de muito verdadeiro em retratar artistas por sua decadência — não por morbidez, mas porque a queda revela aquilo que a fama encobria. Em Maria, as notas altas já não vêm mais. O corpo falha. O telefone não toca. E o público que a idolatrava, a esquece. A câmera de Larraín insiste nos silêncios, nos corredores vazios, nos espelhos que refletem uma beleza desidratada. Não há julgamento, só solidão.

Essa escolha estética lembra o que foi — à sua maneira — o fim de André Matos, o tenor do metal brasileiro. Fundador do Angra, criador de Holy Land e Ritual, dono de uma das vozes mais reconhecíveis do rock nacional, Matos passou seus últimos anos à margem. Fazia shows em teatros pequenos, resistia a convites fáceis, mantinha uma postura estoica, sem apelos. Sua morte, repentina, gerou comoção — mas também vergonha em quem percebeu que havia esquecido dele em vida.

Assim como Callas, André Matos foi vítima de um país (ou um meio) que só ama enquanto serve. Quando sua presença já não oferecia lucro, foi engavetado pela indústria e pela memória pública. A decadência, no caso de ambos, não é derrota: é desmascaramento. O que Callas foi nos palcos continua presente — mas só ela parece lembrar disso. O mundo ao redor já virou a página.

O filme de Larraín acerta em retratar isso sem sentimentalismo excessivo. A câmera não acaricia a decadência, apenas a expõe. A Maria de Jolie não é coitadinha — ela é soberba, difícil, intransigente. Mas também trágica. Porque o talento, por mais grande que seja, não salva ninguém da solidão.

O nazismo como muleta e o maniqueísmo dramático (com spoilers)

Em meio a esse retrato potente de queda e desamparo, o filme comete seu deslize mais óbvio: uma cena em flashback onde Maria é obrigada a cantar para oficiais nazistas. O episódio é mal contextualizado, com encenação rasa, personagens genéricos e uma mise-en-scène que grita “olhem como ela sofreu”. O objetivo é claro: reforçar que ela foi uma vítima, e não uma mulher de temperamento difícil ou decisões polêmicas.

Esse tipo de uso simbólico do nazismo como “espantalho dramático” já foi exaustivamente explorado no cinema — e nem sempre com cuidado. Quando bem feito, como em O Pianista ou A Escolha de Sofia, o horror é estruturante. Mas quando aparece como uma muleta narrativa, perde força. Aqui, o episódio parece artificial, uma tentativa forçada de dar à protagonista uma espécie de selo moral — como se o sofrimento legítimo de seus últimos anos não bastasse por si só.

Essa escolha empobrece o filme porque reduz uma personagem complexa a uma vítima moral pura. Maria Callas foi mais do que isso. Ela foi vaidosa, controversa, apaixonada, geniosa. Em vez de permitir que o público lide com essa ambiguidade, o roteiro tenta blindá-la. E ao fazer isso, trai a própria proposta de mostrar um ser humano em decadência — porque recorre ao maniqueísmo mais preguiçoso do cinema: se ela sofreu com nazistas, então merece nossa simpatia incondicional.

Essa armadilha é conhecida. Muitos filmes caem nela, especialmente quando se sentem culpados por mostrar ídolos sob luz crua. A tentação de criar um "escudo moral" é grande. Mas o melhor cinema é aquele que confia na inteligência do espectador. Que deixa o julgamento em aberto. Maria, nesse momento, não confia. E perde parte de sua força.

Vale a pena ver Maria?

Sim — mas com a consciência de que o filme vale mais por suas lacunas do que por suas respostas. Maria é uma obra sobre o que se perde com o tempo. Sobre a beleza que não garante amor. Sobre o talento que não impede o silêncio. Jolie está em um dos papéis mais densos de sua carreira, e brilha justamente por não tentar brilhar demais. Sua Callas é contida, mas carregada de dor, orgulho e memórias que já não confortam.

Apesar da cena gratuita envolvendo nazistas e da tentação de idealizar a protagonista, o filme consegue algo raro: capturar a ressonância muda da glória passada. Ele não é uma cinebiografia tradicional — é mais um retrato atmosférico, quase etéreo, de uma mulher encurralada pelo próprio passado.

No final, o que mais ecoa não são as árias. É o silêncio que vem depois do último aplauso. E nisso, Maria Callas — como André Matos — se torna símbolo não só da decadência artística, mas do vazio que o mundo deixa em quem um dia foi aclamado.

Maria nos lembra que o maior drama de uma estrela não é cair — é continuar existindo depois que a luz se apaga.